New heArt City Gallery

Présenter les derniers travaux de Jérôme Revon, c’est plonger le spectateur au coeur de Big Apple dans un voyage urbain et graphique en mouvement permanent.

L’artiste, fasciné par les travaux de Norman Foster, Jean Nouvel, Frank Ghery, Richard Meyer… qui se plaît à capturer à travers son objectif l’âme des grandes métropoles telles que Paris, Londres, Pékin, Bruxelles… fait le choix pour cette exposition de centrer son travail sur New York .

Ainsi il rend hommage à la ville qui s’est imposée à partir des années 30-40 comme l'une des capitales mondiales de l'art moderne, devenue à la moitié du XXème le berceau du Pop Art puis du Street Art, et qui rayonne aujourd’hui encore avec la même intensité, muse éternelle, ville des possibles, des rencontres et du renouveau.

D’aucuns se plaisent à confronter la Grande Pomme à d’autres grandes mégalopoles et considérer qu’elle a fait son temps et que le XXIème siècle appartient à d’autres villes plus à même d’incarner la modernité…

A travers la finesse de son objectif, Jérôme Revon montre, comme une évidence empreinte d’intemporalité que la grandeur de la ville demeure, les couleurs ne sont pas ternies, la passion n’est pas réchauffée et s’exprime avec la même puissance et le même mouvement, parfois avec accélération pour se mettre résolument au rythme de notre époque.

Flower Freedom, Diasec 2011

Le mouvement est enfin figé et l’intensité demeure, il parvient alors à extraire l’énergie de la ville en se jouant des symboles, en confrontant les graffitis et l’architecture, en sublimant le détail que l’on retient dans l’inconscient au détour d’une rue. Autant de clichés judicieusement choisis pour représenter l’euphorie de la ville.

Dans sa démarche d’appropriation de la ville et de ses icônes, Jérôme Revon a travaillé sur les pépites street-art dénichées du coté de Brooklyn et Harlem. Des graffs incandescents qui viennent chahuter en couleur les enfilades de yellows cabs et la fascinante Skyline de Manhattan.

Les références classiques et Art-déco viennent se mélanger à des réalisations plus contemporaines et pour la première fois, les Splits sont constitués de 3 ou 4 photos différentes.

Au début de son film Manhattan, Woody Allen avoue son impuissance à donner une définition de New York. S’il est une ville multiple, contrastée et qui se prête au travail de découpage et de mélanges c’est bien celle-ci. C’est pour toutes ces raisons et parce qu’il en est tombé amoureux que Jérôme Revon a choisi comme titre à cette série, celui d’un dessin des « Twins », découvert sur un mur du quartier latino et surmonté d’un unanime « WE LOVE NYC ».

Jerôme Revon sublime avant tout l’urbain et laisse peu de place au passant, dès lors il offre une double-vision au spectateur. Il représente l’Homme indirectement, à travers son environnement, ce qui permet au spectateur de se questionner à la fois sur le regard qu’il porte et de se projeter tout en se détachant pour visualiser l’univers urbain tel qu’il est. Il parvient ainsi à figer ou à retrouver dans l’inconscient l’âme combattante d’une ville qui sait renaître de ses cendres, emprise de liberté et d’espérance, qui avance toujours, parfois avec une humble malice…

Jérôme Revon (1962) vit et travaille à Paris.
Fasciné très tôt par la photographie, il ne cesse de s’exprimer à travers son objectif, son sujet d’étude favori étant l’urbain, il capture les atmosphères des lieux qu’il visite.

Il met également, son talent au service de la réalisation très jeune puisqu’il signe à l’âge de 22 ans ses premières réalisations télé.

S’enchaînent depuis un grand nombre de réalisations, il est aujourd’hui l'un des réalisateurs de direct les plus demandés. Depuis 1997, il est également producteur.

Récompensé par deux 7 d’or en 1992 pour son travail sur les J.O de Barcelone et en 1997 pour son émission Capital, l’artiste décoré Chevalier des Arts et des Lettres en 2007 exprime sa polyvalence à travers un grand nombre de supports, mais au final c’est toujours le même talent qui l’anime, la justesse d’un regard sur le monde.

We Love NY, Diasec 2011

Presenting the last works of Jerome Revon, means offering a free trip in the heart of the Big Apple to the viewer :an urban and graphic city, always in movement.

The artist is fascinated by the works of Norman Foster, Jean Nouvel, Franck Ghery, Richard Meyer and many others. He likes to capture the soul of big cities like Paris, London, Beijing , Brussels, … For this exhibit he focuses his works on New York City.

It’s a tribute to this city which has become one of the world’s leading capitals city of modern art since the 30’-40’. Then it became the birth city of Pop Art and Street Art and nowadays it’s always and definitely an eternal muse. A city where everything is possible, where encounters are easy and where movement, renewal and speed are major attributes.

Some people consider that New York belongs to the XXth century and the future of modernity is somewhere else, in others cities. But Jerome Revon shows that NYC hasn’t lost anything about what she was: it’s always the big city, its colors are still shining and the passion seduces with the same power and the same movement. She’s definitely in the air.

At the beginning of his career, Jerome Revon started as a TV director (and he’s still today) and it let him, owing to the splits1 technics, to set his look and his emotion to capture some different visions, some unusual perspectives and points of view, from details to a global view.

The movement is finally fixed and the intensity is still here and so the city’s energy is extracted. It uses some symbols, puts one beside the other, graffiti and architecture. He also sublimates the details than we can see at the corner of a street and that we unconsciously remember

So many shots which show the city’s euphoria.

He appropriated the city and its icons and he worked on street art’s details from Brooklyn and Harlem. These graffiti are mixed with the amazing pictures of famous yellow cabs and the fascinating Skyline of Manhattan.

Classic references and Art deco are mixed with more contemporary achievements and for the first time, splits include three or four different photographs.

At the beginning of his movie Manhattan, Woody Allen admits that he can’t give a definition of New York. It’s THE city of diversity, contrasts and she’s perfect for divisions and mixtures’ work.

Jerome Revon fell in love with the City and for all these reasons he has chosen the title of a drawing of “Twins” discovered on a wall of latino neighborhood on which was written “WE LOVE NYC”.

Jerome Revon sublimes the Urban but the Human isn’t really present in his works, letting the viewer to project himself in this décor. He represents indirectly the Human through his environment. It enables the viewer to question himself on his look and to project himself, while staying en “retrait” to look the urban land as it is.

He also fixed in the unconscious the fighting soul and spirit of this city which is never dying. A city of liberty and hope which is always moving forward with a humble malice.

Jerome Revon (1962) lives and works in Paris. He is very early fascinated by photography and his favorite subject of study is urbanism so he captures all the atmospheres of the places he visits.

At 22 old years he begins his first TV achievements. Nowadays he is one of world’s most famous TV Directors for Live shows.

Since 1997, he is also a producer.

He won two major French awards for his work on the Olympic Games of Barcelona in 1992 and in 1997 for the TV show “Capital”.

The artist becomes “Chevaliers des Arts et des Lettres” in 2007.

He is an artist who works with many “supports” but it is always the same talent which inspires himself: an outstanding look on the surrounding world.

Expositions / Exhibitions :

ART ELYSEES 2010

21 – 25 octobre 2010

Art Jingle Contemporary 31 bis, rue des tournelles / 75003 Paris

Janvier 2010

Gallerie Images de fer 16, rue de Seine / 75006 Paris

Mai - juillet 2010 Juin - juillet 2011

Passage Choiseul / Exposition personnelle

Mai 2009 Mai 2010

Vente Charitic Angels, Bruxelles

Décembre 2010

Vente Fight Aids, Monaco

Décembre 2011

2011-12-14T14:53:00.000+01:00

Qui sommes-nous ?

La galerie New heArt citY
a élu domicile rue de Picardie au cœur du Haut-Marais Parisien.
Ce lieu, ouvert par Nadège Buffe, propose des thèmes d'exposition dédiés aux artistes émergents qui partagent une inspiration urbaine forte.
Nadège Buffe dirige également la galerie Taglialatella au 10 rue de Picardie à Paris. http://www.djtfa-paris.com

Une inspiration urbaine
Le souhait de favoriser l'art urbain sous toutes ses formes, permet d'explorer différentes facettes de la ville et de la rue...La rue est expressive et inspirante et devient un thème de recherche. Elle caractérise un lieu de vie, de passage et de rencontres.
La spécificité et l'originalité de la démarche des artistes exposés tous les mois donne un caractère de renouveau inépuisable du lieu, à l'instar de NYC (ville thématique phare) regorgeant d'énergie et en construction permanente.

2011-12-06T17:03:00.000+01:00

Artiste aux multiples talents et moyens d’expression, Kouka est guidé par une recherche d’appropriation de l’espace public qu’il explore pour mieux y intégrer ses réflexions et ses messages fondamentaux, poussé par le désir de partager son art.

L’artiste vit à Paris, mais son parcours et son expression se nourrissent au fil de ses voyages et multiples rencontres. Son style particulier dénonce, interroge, amuse parfois, et questionne toujours. Diplômé de l’Ecole d’Art d’Avignon en 2005, Kouka s’adonne entièrement à sa passion pour la peinture. Mêlant performance et scénographie, son travail s’apparente de plus en plus à de véritables interventions urbaines.

Pour cette exposition, l’artiste met en place une rétrospective selon les 3 volets qui incarnent sa quête et ses interrogations sur l’identité. Au travers des guerriers Bantus, du singe et de la série HLM, l’artiste ne cherche pas nécessairement à véhiculer un témoignage politique et/ou social, mais plutôt à sensibiliser l’homme, le spectateur, à ce qu’il est ou plus précisément ce qu’il était à l’origine. L’Homme vu par l’homme, somme toute, de manière individuelle, face à lui-même ou face au groupe, aux autres, à la société qui peut apparaître, à certains égards, comme une sorte de menace pour l’authenticité de l’homme. Une approche qui a avant tout pour but de susciter une interrogation, celle de l’identité. « Qui suis-je ? »

Au-delà de cette démarche introspective que veut provoquer l’artiste chez le spectateur, c’est aussi à une réflexion personnelle sur la vérité des choses en général qu’est amené l’artiste. Il s’aventure dans un retour à une sorte d’état naturel, celui de l’enfance et de l’innocence.

L’Artiste

C’est avec ses fameux guerriers Bantus que Kouka marque sa première empreinte urbaine singulière. Les premiers ont vu le jour en 2008 au Centre International des Civilisations Bantus à Libreville, capitale du Gabon.

Babinga sur papier journal, 2010 Glycero sur journal marouflé

Babinga, 2011 Acrylique sur fenetre

Babinga profil, 2011 Glycéro sur bois

L’artiste a débuté cette série en réaction à l’impérialisme occidental établi au sein même des espaces dédiés à la culture en Afrique. Depuis, Kouka affiche ses peintures de guerriers, telle une signature, partout où il passe. Leur présence sur les murs des villes nous rappelle que l’espace public, comme le monde, n’appartient à personne et que s’il est possible de s’accaparer un territoire, il n’est pas possible de s’approprier une culture.

En 2008, Kouka commence également à tapisser de grands portraits de singes peints sur les murs de Belleville. Ce quartier populaire de Paris attire des milliers de visiteurs qui viennent photographier ce que l’on appelle aujourd’hui « Belleville Zoo ».

Singe #3, 2011 Peinture glycéro sur toile

Les singes de Kouka nous rappellent ce que nous sommes, ce que nous avons été mais aussi ce que nous serions sans nos acquis culturels, selon l’interprétation de chacun. Il est intéressant de voir comment celui qui regarde l’œuvre se situe par rapport au « primate ».

Pour Kouka, le singe renvoie à un miroir de l’Homme. L’animal fascine autant qu’il intrigue par son étrange ressemblance mais caractérise également une peur de l’inconnu, de l’indomptable. Pour l’artiste sa liberté effraie, l’homme préfère le voir en cage, ce qui constitue une référence à l’esclavagisme. Kouka pousse également la comparaison jusqu’à sa représentation de l’artiste : « On le nourrit plus souvent pour amuser la galerie, que pour entendre ce qu'il a à dire ».

La série « HLM » (Habitant Les Murs) est une série miroir, une façon d’interroger le spectateur sur le regard qu’il porte sur l’Autre et plus particulièrement sur le « Groupe ». Se pose dès lors la question de l’identité, que l’on se situe au sein du groupe ou en marge de celui-ci.

Avec « HLM », Kouka tente de réduire la peinture à ce qu’elle a de plus primaire au sens originel du terme et mise sur une économie de temps et de moyen. Dans le même temps, il met également en avant les propriétés inhérentes à cette technique en laissant apparaître les imprécisions, les coulures. Son objectif : en extraire ce qu’il y a de plus brut en créant des formes grâce à la ligne simple, au trait, au dessin, de manière à enlever tous les artifices picturaux – couleurs, dégradés… Pour cette exposition, l’artiste Kouka reste sur des couleurs assez brutes et exploite une technique qui lui est propre, celle de la superposition d’impressions.

Ce faisant, Kouka essaie de mettre en parallèle authenticité de la technique picturale et authenticité de l’homme en cherchant à montrer ce qu’il y a de plus élémentaire chez celui-ci, vidé de ses artifices, de son apparence ou de l’expression de ses sentiments.

HLM Grand Yoff, 2008 Acrylique sur toile

HLM Bleu, 2010 Acrylique et papier déchiré sur toile

HLM et ficelles, 2010 Glycéro sur toile

Hurlements Lancinants de la Meute, 2010 Acrylique sur toile

Cette série est également une critique de la société occidentale régie par un système où prévalent le système des apparences et celui de la consommation. Pour l’artiste, la culture, dans son acception globale, flirte trop souvent avec ce système de valeurs ce qui représente pour lui un danger pour la création artistique. En revenant à une peinture « brute », Kouka tente de fracturer ces valeurs. Autre danger : une quête absolue de l’esthétisme car il porte atteinte à la liberté créatrice de l’artiste.

Normé et codifié, ce dernier suit de plus en plus les tendances et les modes. En réaction Kouka essaie de renouer avec une production plus universelle, accessible à tous, via l’utilisation du noir et du blanc et en jouant sur les ombres et la lumière.

HLM #3, 2011 Peinture glycéro et carton contrecollé sur toile

A l’occasion de la sortie de son livre « Opus Délits 21 : Guerrier Bantu » chez Critères Edition, Kouka explore à travers cette exposition une nouvelle dimension qui s’inscrit dans sa recherche sur le trait et la forme, dans laquelle on retrouve l’énergie et la spontanéité de ses premiers graffitis, mis en relation avec les questions propres à son travail.

Mais la véritable interrogation est : qui sommes-nous en dehors de nos bagages culturels, en dehors du groupe et enfin par rapport à l’individu, l’autre ?

L'Enfant Blam, 2011 Acrylique et glycéro

Swaggers, 2010 Aérosol sur toile

Lord, 2008 Acrylique et aérosol

Laeticia II, 2011 Aérosol sur tissu

Samara I, 2011 Aérosol sur toile

Samara II, 2011 Aérosol sur toile

Références et Expositions

2011 : "Identité" Exposition personnelle à la New heArt CitY Gallery (Paris 3è)

2011: Sortie du livre "Opus délits 21: Guerrier Bantu" chez Critères Edition

2011: Sortie du projet musical «L’Enfant Blam» en autoproduction.

2011: «Truc Troc 7#» au palais royal des Beaux Arts de Bruxelles (Belgique)

2010: «Corps de Femmes» Exposition personnelle à Confluences (Paris 20è)

2010: «T.R.A.C.E.S. à Belleville» Exposition personnelle (Paris 20è)

2007/2010: La Roulote à peinture: Atelier itinérant dans les quartiers de Belleville.

2005: Diplôme National Supérieur d’Etudes Plastiques à l'Ecole d’Art d’Avignon

2000: Stage de scénographie et peinture au Théâtre Itinérant d’Eyala Pena (Cameroun)

Liens

http://www.frenchiesinparis.com/m/article-77928690.html

2011-08-31T15:50:00.003+02:00

La New heArt CitY Gallery

Présente

« Shipwrecked »

Dessins et peintures

Exposition personnelle de Julien David

Du 23 septembre au 18 octobre 2011

Cash and carry, 2011 - oil on canvas

Shipwrecked

Pour cette exposition, qui présente une douzaines d’oeuvres sur toiles et dessins, Julien David reprend, à la manière des sculpteurs et des enlumineurs des siècles précédents, l’iconographie du drame et du désastre – présente dans l’Art depuis l’Antiquité – et nous raconte les maux et fléaux de son époque : catastrophes naturelles, frasques de stars, esclandres politiques, scandales financiers… poussant toujours plus loin les limites de la satire sociale.

Julien David

Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs (ENSAD) en 2002, l’artiste a développé un style particulier qu’il décline au travers de multiples supports : réalisation, écriture, dessin, peinture…

Julien lit notre monde, articulant ses créations autour d’une aspiration : raconter. « Simple plaisir de la narration » tel que nous l’écrit Gabriel García Márquez ? L’artiste opère plutôt en tireur embusqué, prolifique, à la manière d’un Topor : série d’anticipation (Les multiples CANAL +, 2006), séries d’animations (Arte 2009-10) créées à partir d’archives sonores documentaires d’Arte Radio, bande dessinée (Les Malheurs de Marine , SEUIL 2006), expositions de peintures et sculptures à Orléans, Paris, Berlin depuis 2005. Aux prises avec notre quotidien, il représente ce dernier selon un angle tantôt loufoque, tantôt tragique, onirique ou même épique.

E X P O S I T I O N S

2 0 0 6

Exposition « Amalgames et Politiques »

Dessins et vidéos. Espace d’Art Concret

de Mouans-Sartoux, donation Albers-Honegger.

2 0 0 5

Exposition « Ich liebe Dich »

Peintures, dessins et vidéos. Wall Galerie, Orléans.

2 0 0 4

Exposition au salon de la création contemporaine

issue des écoles d’art, Mulhouse 004.

Vidéos.

2 0 0 3

Exposition « Club Canin Parisien »

Dessins et peintures. Galerie des Messageries, Paris.

Exposition «Haushalten »

Dessins. Galerie Pankow, Berlin.

Exposition au Vent des Forêts. Sculpture.

Festival de sculpture en parcours paysager, Meuse.

R E A L I S A T I O N S

2 0 1 0 - 2 0 0 9

Réalisation de sept formats courts d’animation. Diffusion ARTE.

Suçothérapie (2’30) / Prof (2’09) / Papa (2’17) / Barbier (2’14)

Perroquet (1’53) / Marguerite (2’00) Retraite (1’53).

2 0 0 7

Parution de la bande dessinée Les Malheurs de Marine.

Scénario de Bob Stone. Editions du SEUIL.

2 0 0 6 - 2 0 0 3

• Réalisation d’une série d’animation de 6X14 mns.

Diffusion CANAL +. Les Multiples (84’).

• Réalisation de 9 vidéos. Diffusion CANAL +.

Vive la politique / Bon Anniversaire / Super-Chien I / Super-Chien II / Misère au Menu / Tsughetti / Scream from Thousand Lakes / Les Clefs / Un Noël chez les Lambert.

P R I X / D I S T I N C T I O N S

Marguerite (2’00)

Prix de l’originalité au festival des Très Courts 2010.

Premier Prix au festival Halte Au Long 2009.

Betterave Channel (3’00)

Sélection officielle du Festival International du Film

d’ Animation, Annecy 2009, catégorie Série TV.

Ekolopathe (4’00)

Défi Canon 2007 : Prix du meilleur réalisateur.

Migraine (6’20)

48H Hours Film Project 2006 : Prix spécial du Jury.

Prix de la meilleure photographie.

Prix des meilleurs effets spéciaux.

IN T E R V E N T I O N S

2 0 1 1 - 2 0 0 4

Intervenant en cinéma d’animation aux Gobelins,

l’école de l’image. Paris.

P A R U T I O N S P R E S S E

Revue The Drawer, juillet 2011

À propos du film « Retraite » :

Fluctuat.net, 29 octobre 2009

À propos de la bande dessinée « Les malheurs de Marine » :

Les Inrockuptibles, 25 septembre 2007

À propos de la série d’animation « Les Multiples » :

Les Inrockuptibles, 28 mars 2006

Technikart, mai 2006

À propos de l’exposition « Ich liebe Dich » :

Libération, 24 février 2005

Rob Hay

2011-02-19T13:26:00.008+01:00

La New Heart City Gallery vous accueille du mardi au samedi de 11h à 19h. La galerie vous présente l'exposition consacrée au talentueux artiste New Yorkais, Rob Hay, jusqu'au 15 juin 2011.

Franck Duval - Exposition du 18 février au 31 mars 2011

2011-02-19T13:15:00.000+01:00

Merci de cliquer sur l'onglet "PROCHAINEMENT" pour accéder à la future exposition de la New heArt City Gallery consacrée à l'artiste Franck Duval (FKDL).

Exposition jusqu'au 11 février 2011

"Oil on canvas"

Pierluigi De'Lutti

Compozione astratta, Oil on canvas, 60x80 cm

La New HeartCity Gallery présente à partir du 17 décembre 2010 une exposition consacrée au peintre vénitien Pierluigi De'Lutti. Après Rome, Florence, Venise, Shangai ou encore le Japon et New York, cet artiste confirmé dont la renommée internationale est déjà bien ancrée fait escale pour la première fois dans la capitale française.

La démarche de De’Lutti relève d’une liberté de création plus intuitive qu’instinctive. De’Lutti décompose une idée de base pour arriver au postulat d’une idée nouvelle. Il compose un espace pictural où les couleurs créent elles-mêmes leur propre espace. Sa manière d’appliquer les pigments sur la toile échappe aux canons classiques. De’Lutti bannit les couches plates pour faire de ses œuvres des toiles hautes en couleurs et fortes d'un jeu de matières percutant, expression d’une vitalité et d’un dynamisme artistiques indiscutables. Il travaille la couleur comme un musicien une série de variations musicales répondant à un critère d’ordre mental jusqu’à l’épuisement des solutions qui s’offrent à lui. Une approche particulière qui fait toute la singularité de son œuvre.

Il giardino dei ricordi, Oil on canvas, 70 x 120 cm

On peut également déceler dans son travail une once de fantaisie et de frivolité, mais toujours contrôlées. Le geste peut en effet sembler frénétique comme l’expression soudaine d’un souvenir inconscient faisant de son œuvre une sorte de « substance picturale de la pensée » selon le critique d’art et journaliste italien Paolo Levi. Mais chez De’Lutti, l’échelle des lignes est toujours calculée de manière presque géométrique pour aboutir à un équilibre qui structure la composition. Les masses épaisses et compactes, ces chemins de couleurs projetés vers l’infini, tendent à chercher un continuum qui ne voit de limite que dans les marges de la toile.

De’Lutti attire, séduit. Sa renommée actuelle est le résultat d’une recherche rigoureuse et constante qui lui a permis d’exprimer sa nature intérieure. Ses toiles rencontrent aujourd’hui un franc succès lors des vacations en maisons de ventes aux enchères et font également partie des collections des plus grands musées comme le Museum of Modern Art de New York ou encore les Musées du Vatican et sont présentées dans de nombreuses foires d'art contemporain comme Art Basel.

Compozione astratta, Oil on canvas, 90 x 70 cm

De’Lutti

Né en 1959 à Monfalcone dans la région du Frioul, près de Venise, De'Lutti s'intalle à dix-sept ans à Ferrare où il intègre l'Art Institute dont il est diplômé. Il commence à peindre dans les années 1980 dès son retour dans sa région natale. Ses oeuvres sont alors exposées dans la galerie Nuovo Spazio, propriété de l'artiste italien Luciano Chinese et du critique d'art Paolo Rizzi qui le représenta jusqu'en 2006. Dans les années 1990, les expositions personnelles et collectives se multiplient dans les grandes villes italiennes, puis à partir des années 2 000 dans les pays d'Europe et à travers le monde. Expositions appréciées par le public et la critique.

De'Lutti trouve sa voie et son style artistique après une période de formation dans l’atelier d'un des plus grands peintres et écrivains italiens du XX e siècle, Giuseppe Zigaina. Ces mêmes années, il découvre l'art abstrait lors de différents séjours à Los Angeles et à New York. Il délaisse alors l’art figuratif présent dans de nombreuses œuvres de jeunesse pour une production presque exclusivement abstraite à travers laquelle il cherche à comprendre et à exprimer son for intérieur.

2011-02-05T17:42:00.000+01:00

Exposition jusqu'au 11 février 2011

"Oil on canvas"

Pierluigi De'Lutti

Compozione astratta, Oil on canvas, 60x80 cm

Il giardino dei ricordi, Oil on canvas, 70 x 120 cm

Compozione astratta, Oil on canvas, 90 x 70 cm

De’Lutti

Oil on Canvas

2011-02-04T11:47:00.000+01:00

Né en 1959 à Monfalcone dans la région du Frioul, près de Venise, De'Lutti s'intalle à dix-sept ans à Ferrare où il intègre l'Art Institute dont il est diplômé. Il commence à peindre dans les années 1980 dès son retour dans sa région natale. Ses oeuvres sont alors exposées dans la galerie Nuovo Spazio, propriété de l'artiste italien Luciano Chinese et du critique d'art Paolo Rizzi qui le représenta jusqu'en 2006. Dans les années 1990, les expositions personnelles et collectives se multiplient dans les grandes villes italiennes dans un premier temps, puis à partir des années 2000 dans les pays d'Europe et à travers le monde. Expositions appréciées tant par le public que par la critique.

L'art Scotch

2011-02-02T17:25:00.005+01:00

Un personnage à l’allure un peu extra-terrestre, habillé de collages dont parfois un Big Ben émerge, hante les rues de NYC ou de Londres). La silhouette de cette créature urbaine rappelle étrangement une « Statue of Liberty » un peu atrophiée qui aurait baissé le bras, enfin affranchie, pour revenir parmi le commun des mortels et s’afficher dans la rue.
La Rue, là où la vraie liberté demeure, celle de l'expression, de la poésie et de l'échange.
Ailleurs, une silhouette de femme s'étire langoureusement, une autre danse, puis une s'offre et tend les bras, un peu plus loin un athlète parade et bombe le torse, un autre s'agite puis se pavane.
Telle est la farandole des personnages ornés de 4 lettres : FKDL que l'on peut découvrir dans les rues de Paris, New York, Barcelone, Londres, Turin ou Berlin...
La palette d'expression de l'artiste urbain Franck Duval semble inépuisable, renouvelée sans cesse par la diversité des matériaux utilisés, des lieux et des couleurs.
Dans la lignée des Rauschenberg, Villeglé, et Raymond Hains... Il détourne, déchire, colle, recolle et recrée... Il s’inspire également des personnages expressifs d’Ernest Pignon Ernest. Pour habiller ses silhouettes en mouvement il va souvent puiser dans les personnages rétro et particulièrement ceux du cinéma des années 50.
Depuis 2007, c’est plus d’une trentaine de personnages que FKDL fait naître régulièrement, dans le paysage urbain. Caractéristique de sa grande générosité, ce globe-trotter laisse son empreinte dans les rues de tous les pays qu’il traverse offrant ainsi au plus grand nombre une touche de couleur dans la grisaille quotidienne. C’est par des aplats vifs et les postures dynamiques que ses silhouettes attirent l’œil de tous les passants.

Lorsque l'artiste s'empare de la toile, quels que soient les magazines, les journaux et les couleurs qui s'entremêlent, c'est le Scotch qui souvent scelle les bribes et les morceaux pour faire un pied de nez à l'éphémère de la rue et créer l'unité de l'œuvre qui perdure, tout en relief et en lumière.
Il doit la découverte de cette technique originale de « Art Scotch »* à l'une de ces évidences esthétiques offertes gracieusement à celui qui sait observer. A l'affût du monde qui l'entoure et avec la vigilance du détail, l’artiste a su saisir l'occasion du "Beau" et se l'approprier talentueusement pour sublimer et façonner dans une quête insatiable d'expression.
Les mots, les phrases, les énigmes, les citations dansent parmi les silhouettes en mouvement dans une gestuelle poétique et colorée...Les vieux papiers, les magazines qui ont des idées, les patrons de modèles démodés, les images pour enfants, les affiches publicitaires d'une autre époque, tout ce qui est couleur, regard, sourire passe sous le ruban adhésif de Franck Duval, pour ne laisser que le blanc là où la matière reste encore, épuisée de sa couleur.

Franck Duval n’hésite pas à combiner son amour du vieux papier avec la modernité de ses actions comme en témoigne l’utilisation du flashcode (Code-barres 2D qui se scannent à l’aide d’un Smartphone). Ce flashcode offre une interaction avec le public via internet avec un contenu multimédia choisi par l’artiste.
Le renouvellement incessant de son art ainsi que ses implications dans diverses causes humanitaires font de FKDL l’un des artistes urbains le plus respecté et convoité. Il est un acteur qui s’applique à transformer les villes en véritable musée à ciel ouvert.

FKDL - Lézarts de la Bièvre 2007 - #1
envoyé par fkdl. - Regardez plus de courts métrages.
FKDL colle au MONDE
envoyé par 75018laurence. - Futurs lauréats du Sundance.

Exposition à la New heArt City

2010-10-22T17:58:00.000+02:00

Exposition jusqu'au 11 décembre 2010

Rob Hay - "Recent Work"

N°62, 2010, Oil on panel, 121 x 91 cm

Les « Recent works » de Rob Hay constituent une synthèse unique de plusieurs visions. Des silhouettes déambulent, observent, et défilent dans leur propre monde, unies à leur insu dans un même univers… Le spectateur, devenu espion et vecteur de la création, les observe individuellement puis progressivement se représente et construit l’unité, relié lui-même aux marionnettes inconscientes par un fil invisible.

Cela ne pourrait constituer, à première vue, qu’un exercice optique complexe, mais la déambulation se fait, naturellement, entre les différents sujets , et nous conduit à admirer la force, la précision et la profondeur des couleurs.

Nous sommes touchés voire emportés par le principe des vues plongeantes, qui nous donne l’impression d’observer, de surveiller ces personnages. Un subtil jeu rythmique semble les unir. Une relation intime et presque harmonieuse s’instaure entre ces silhouettes, liée notamment au rappel des couleurs. L’expérience d’une vision duale naît de ces deux dimensions - individualité et complicité - qui s’affrontent et s’enrichissent.


N°71, 2010, Oil on panel, 31,75 x 91 cm

Hay dépasse résolument l’empreinte néo-classique des formes mélodieuses en niant les associations académiques pour laisser ses personnages s’exprimer dans une démarche informelle…

La dualité impulsive est présente, retranscrite au travers de ses nouveaux travaux : entre optique et sensation, composition et configuration. Mais l’unité qui découle de cette vision singulière s’impose de façon évidente comme un objectif définitivement atteint.

Galerie Taglialatella - Russell Young & Rob Hay - Journal d'Arte - 19 Novembre 2010

Articles presse :

http://www.almanart.com/expositions-art-Paris.html

2010-10-08T17:53:00.003+02:00

Exposition jusqu'au 20 octobre 2010

"New York"

Vernissage le 18 septembre 2010 à 19h

Du 18 septembre au 20 octobre 2010, la New heArt CitY Gallery propose une exposition photographique autour de sa thématique phare : New York.
Les visions des deux photographes présentés, Morgane Launay et Bertrand Vacarisas, se répondent ; l’une est riche de témoignages humains, l’autre est plus urbaine et graphique.

Morgane Launay,

est une jeune photographe qui vit à Paris. Issue du milieu audiovisuel, elle se dirige par passion vers la photographie. Dès le début, elle s’intéresse aux hommes et aux femmes qui l’entourent, à l'humain et à son identité particulière. Elle fonde sa démarche artistique autour de la notion de témoignage (vidéo ou photographique), en partant d'un lieu (Berlin, New York...) ou d'un sentiment (le cri, la folie, ....). Pour servir son propos, elle propose une esthétique sublimée par les couleurs et certains décadrages.

My New York, portraits d'une ville est un reportage photographique qui retranscrit, à travers le portrait de quelques habitants, une vision morcelée mais pleine de sens. Loin des clichés touristiques, la ville, gigantesque usine à rêves, devient humaine et personnelle.

Chaque témoignage évoqué, qu'il s'agisse d'une forêt dans le Bronx ou d'un loft à Manhattan, révèle une part intime qui transcende la ville ; l’espace d’un instant, elle n’existe plus qu’au travers de ses habitants.

Bertrand Vacarisas

Depuis son arrivée à Paris, il y a plus de dix ans, les mégalopoles l'ont toujours intrigué. Son art s’exprime autour du visuel (vidéos, reportages…) mais c’est surtout la photographie qui lui a permis d’explorer les richesses de la ville : l’art de rue (graffiti, collage ou pochoir), l’architecture ou encore le rapport entre la publicité et les habitants.
A partir de 2004, son travail s’est tourné vers la notion d’identité et New York s’est imposée comme moteur de ce projet.

"Intemporel", Bertrand Vacarisas

« J’ai eu, comme beaucoup de nouveaux voyageurs arrivés à New-York, un étrange sentiment de familiarité. L’ambiance, les lieux, les gens me renvoyaient des images prédigérées par tous les films et séries TV que j’ai vus depuis mon enfance. Brooklyn, Manhattan, le Queens… une familiarité cinématographique.
Cette ville a été incroyable par sa capacité à surprendre malgré ce sentiment particulier de "déjà-vu" qui m’a suivi le long du voyage. Mon travail photographique, sur la place de l’individu dans les mégalopoles, avait trouvé en New-York, un sujet prometteur, un décor permanent pour composer des images. »

"Subway", Bertrand Vacarisas

2010-10-08T17:49:00.037+02:00

Rob Hay

"New Works"

Parmi l’éventail d’expériences esthétiques que l’on peut appréhender dans les derniers tableaux de Rob Hay, la toute première est peut-être la sensation de reconnaissance : je « connais » cette personne, je « connais » cette démarche, ce regard, ce geste. J’ai déjà vu ces personnages ; ce sont nos semblables, nos contemporains.

Ces œuvres expriment une grâce tranquille. Elles sont animées de figures, parcourues d’un mouvement, dénotant un bel esprit visuel, et pourtant, c’est bien cette grâce tranquille – celle qui se présente face à une vision sincère et vraie – qui capture notre attention. Cette infinie série d’honnêtes observations se conjugue à l’économie atteinte dans le langage pictural. Ces œuvres respectent et sont les héritières d’une noble tradition, et pourtant elles sont d’une nouveauté absolue.

Créés sur cette surface abstraite, unifiés par une grille imperceptible et d’une grande modernité, les personnages de Hay se présentent eux-mêmes. Ils observent tout autant que nous les observons, ils bougent, ils se reposent, ils jouent. Ils font simplement et honnêtement ce que nous faisons à notre époque : ils vivent.

S’accomplit ici quelque chose de bien singulier : l’humanité de ces tableaux, créant un espace contemplatif des plus innovants, synthétise une honorable tradition et une subtile perspective contemporaine.

“The sensation of recognition is perhaps the first of a variety of aesthetic experiences to be found in Rob Hay’s recent paintings.

I ‘know” that person; I “know” that stride, that glance, that gesture. I have seen these figures; they are our fellow humans, living in our moment.

There is a quiet grace to these works. Lively as they are with figures and movement, with visual wit and intelligence, it is the quiet grace of truly seeing that captures our attention. The endless series of honest observations composed with an accomplished economy in the language of painting. These works respect and are heirs to a noble tradition, yet they are entirely new.

Composed across the abstract field of the picture plane, unified by an unseen and utterly modern grid, Hay’s figures present themselves. They observe and are observed; they move, they rest, they play. They simply and honestly do what we do in our time, they live.

It is a singular accomplishment, the humanity of these paintings that create an astonishingly fresh contemplative space that synthesizes an honorable tradition with a richly nuanced contemporary perspective.”

N° 91, 2011 Oil on panel

N° 90, 2011 Oil on panel

N° 88, 2011 Oil on panel

N° 89, 2011 Oil on panel

N° 86, 2011 Oil on panel

N° 85, 2011 Oil on panel

N° 87, 2011 Oil on panel

N° 84, 2011 Oil on panel

N°92, 2011 Oil on panel

N° 93, 2011 Oil on paper

Study, 2011

Ink wash and graphite on paper

Study, 2011

Ink wash and graphite on paper

Rob Hay

"Recent Works"

Les oeuvres de l’artiste américain Rob Hay constituent une synthèse unique de plusieurs visions. Des silhouettes déambulent, observent, et défilent dans leur propre monde, unies à leur insu dans un même univers…

Le spectateur, devenu espion et vecteur de la création, les observe individuellement; puis progressivement se représente et construit l’unité, relié lui-même aux marionnettes inconscientes par un fil invisible.

Nous sommes touchés voire emportés par le principe des vues plongeantes, qui nous donne l’impression d’observer profondément ces personnages. Un jeu rythmique semble unir ces silhouettes puis une relation intime s'installe, sublimée par l'harmonie des couleurs.

L’expérience d’une vision duale naît de ces deux dimensions - individualité et complicité - qui s’affrontent et s’enrichissent. Cette dualité impulsive est présente, retranscrite au travers de ses nouveaux travaux : entre optique et sensation, composition et configuration.

Rob Hay dépasse résolument l’empreinte néo-classique des formes mélodieuses en niant les associations académiques pour laisser ses personnages s’exprimer dans une démarche informelle… Mais l’unité qui découle de cette vision singulière s’impose de façon évidente comme un objectif définitivement atteint.

In Rob Hay’s recent paintings one finds oneself confronting a unique synthesis of visions. Assorted figures, striding, glancing, parading in their own worlds but united by a grid unknown to them; the viewer spies each individually while savoring the construct as a whole. At first glance, this may seem a clever optical exercise, but one quickly moves throughout the range of perceptual foci admiring the deft brushwork and weighty color.

It is difficult to say which aspect of these works is more satisfying: the pleasing depictions of the individual subjects, always seen from an angle above, making them feel all the more watched, all the more surveilled, or the subtle, rhythmic play between them. The tug from a color note on one figure to a related note on another is delicious. These two aspects intersect, of course, but work independently as well, enriching the experience as a twofold sort of vision.

Hay has a neo-classicist flair for melodious form but negates academic associations with the contemporary verve of his grids and the casual gaits of his figures. This, too, is a duality that speaks to his imagination, his gifts and the durability of his vision. Dualities pulse throughout these new works, those of optic and sensation, composition and configuration. But the singularity of Rob Hay’s vision is the unity he achieves, and it is most satisfying.

N° 70, 2010 Oil on panel

N° 78, 2010 Oil on panel

N° 80, 2010 Oil on panel

N° 68, 2010 Oil on panel

N° 69, 2010 Oil on panel

N° 63, 2010 Oil on panel

N° 65, 2010 Oil on panel

N° 1, 2007 Oil on panel

N° 10, 2007 Oil on panel

Study for Number 58, 2010

Ink wash and graphite on paper

2010-07-14T15:04:00.001+02:00

Prochainement :

Exposition "D'un regard à l'autre"

Du 24 juillet au 15 septembre 2010, La New heArt CitY Gallery a le grand plaisir d’accueillir Matyeux dans sa tête et Sébastien Combescot.

Jusqu’au 17 juillet

La New heArt CitY Gallery propose

la série « Traveling Robots » d'Eric Cloutier.

L'artiste associe photographie, dessin et graphisme, et nous entraîne dans un monde unique peuplé de robots curieusement expressifs...

Fasciné depuis toujours par les robots, Eric Cloutier représente avec humour l'image d'une société investie par un Être mi-humain mi-machine qui est passé du fantasme des illustrations de fiction rétro à une place bien réelle dans notre monde.

"Dublin"- Eric Cloutier

"Budapest"- Eric Cloutier

"Antwerpen"- Eric Cloutier

2010-07-01T14:58:00.001+02:00

Jusqu’au 17 juillet

La New heArt CitY Gallery propose

la série « Traveling Robots » d'Eric Cloutier.

L'artiste associe photographie, dessin et graphisme, et nous entraîne dans un monde unique peuplé de robots curieusement expressifs...

"Dublin"- Eric Cloutier

"Budapest"- Eric Cloutier

"Antwerpen"- Eric Cloutier

2010-07-01T14:55:00.000+02:00

SHERAZADE MOKHFI

A l'occasion de l'exposition " La Parisienne", Shérazade Mokhfi, créatrice de mode, a gracieusement collaboré avec la New heArt CitY pour dédier une collection de T-shirts signée "La Parisienne".

Shérazade a lancé sa marque, "La 7ème Sister" en mai 2009 après avoir étudié à la prestigieuse université London College of Fashion.
Son travail est axé autour de deux pièces phares : des tee-shirts à la coupe fine et décontractée illustrés par la créatrice ; des jupes made in Paris produites en série limitée dont le travail rigoureux s'est porté sur la qualité des tissus, la coupe et la confection. Les collections "La 7ème Sister" sont plus que des vêtements, se sont des pièces originales, stylées et confortables.

2010-06-08T15:17:00.000+02:00

Prochainement :

Exposition "D'un regard à l'autre"

Matyeux Dans Sa Tête observe son quotidien et traduit avec amusement les sensations éprouvées au cœur d’atmosphères urbaines.
Sébastien Combescot, sculpteur, travaille sur l’évolution de la représentation personnelle que se fait l’être humain des choses qui l’entourent. Un même objet peut se voir sous différents points de vue.

Jusqu’au 17 juillet

La New heArt CitY Gallery propose

la série « Traveling Robots » d'Eric Cloutier.

L'artiste associe photographie, dessin et graphisme, et nous entraîne dans un monde unique peuplé de robots curieusement expressifs...

"Dublin"- Eric Cloutier

"Budapest"- Eric Cloutier

"Antwerpen"- Eric Cloutier

Exposition "La Parisienne" - Soirée événement du 24 avril

2010-05-22T18:07:00.001+02:00

Pour célébrer cette nouvelle exposition, la New heArt CitY Gallery a eu le grand plaisir d'accueillir lors de la soirée de vernissage Emma Pick et Romain Bechetoille.

Les deux artistes ont chacun évolué dans l'univers de la mode et se sont retrouvés, le temps de l'évènement, autour de leurs passions communes : l'image et l'expression corporelle. Ils ont proposé leur travail collectif d'installation visuelle et sonore telle une séance de shooting sur des rythmes électro :
Emma + Romain = 4 from BECH on Vimeo.

2010-05-22T18:06:00.000+02:00

ERIC CLOUTIER

La série Traveling Robots est une représentation de différents lieux urbains découverts par l’artiste au fil de ses voyages et de souvenirs d’enfance. Il réinterprète ces endroits qui deviennent les protagonistes de ses tableaux, en fonction des émotions qu’il a ressenties.

Des robots, curieux et plein d’humour, se glissent au travers de ses œuvres, racontant à sa place ses perceptions et ses sentiments. Ils sont parfois les symboles d’un moment précis, parfois une représentation d’un monde particulier, farfelu et coloré.

Montréal - Éric Cloutier

Aix-en-Provence - Éric Cloutier

L'artiste s'est intéressé à l'obsession de l'être humain d'utiliser la technologie pour simplifier sa vie dans un monde s'accélérant. Il considère le robot comme le summum de la technologie : l’incarnation de la machine-humaine. Il pousse cette obsession jusqu’à imaginer un monde utopique investi de clones machines, reflets de nous-mêmes, qui iraient jusqu’à vivre, travailler à notre place… Pour partager notre réalité et changer le sens qu’on lui donne...

Londres - Éric Cloutier

Evil Astro (AF JFK - CDG) - Éric Cloutier

Dublin - Éric Cloutier

La Parisienne

2010-04-28T15:25:00.001+02:00

Exposition du 24 avril au 31 mai 2010

Depuis le 24 avril, la New heArt CitY Gallery propose un thème à la fois urbain et féminin mais aussi ambitieux, prétentieux, élégant et mystérieux : La Parisienne .

L'exposition est consacrée à la jeune artiste Aurélie Billat, dont le travail (peinture, croquis et collages) est articulé avec beaucoup de dérision et d'humour autour de la féminité et de l'ultra urbain.
Sa Parisienne, ironiquement sophistiquée pour mieux se jouer des codes, se déplace avec raffinement parmi les monuments célèbres, à Paris ou en voyage, de la Tour Eiffel au Cloud Gate d' Anish Kapoor à Chicago...

2010-04-28T15:23:00.000+02:00

Evènement Ephémère : Projection de rue et Instant Fashion.
Samedi 24 avril 2010

Pour célébrer sa nouvelle exposition : La Parisienne, la New heArt CitY Gallery a eu le grand plaisir d'accueillir lors de la soirée de vernissage Emma Pick et Romain Bechetoille.

Les deux artistes ont chacun évolué dans l'univers de la mode et se sont retrouvés, le temps de l'évènement, autour de leurs passions communes : l'image et l'expression corporelle. Ils ont proposé leur travail collectif d'installation visuelle et sonore telle une séance de shooting sur des rythmes électro.

Les Modèles - que les deux artistes filment ou photographient - s'expriment, occupent l'espace, trangressent en toute liberté, l'image devient l'expressivité même pour rendre hommage à l'esthétisme.

Dans la continuité de ce travail, une projection de rue audacieusement urbaine et rétro mettant en scène La Parisienne années 30 a été réalisée par Romain Bechetoille artiste vidéaste phare de la galerie.

Et enfin, inspirée par la fascination et le fantasme suscités par le Modèle - cet être en mouvement volontairement désincarné qui se met au service de l'image l'instant d'un défilé - Nadège Buffe a proposé une installation luminaire de silhouettes féminines en taille réelle qui défilent.

La 7ème sister

2010-04-28T14:23:00.000+02:00

Evénement Ephémère & Fashion

Du 6 mai au 9 mai 2010

Après avoir étudié à la prestigieuse université London College of Fashion, Sherazade Mokhfi lance sa marque, "la 7ème Sister" en mai 2009. Son travail est axé autour de deux pièces phares : des tee-shirts à la coupe fine et décontractée illustrés par la créatrice ; des jupes made in Paris produites en série limitée dont le travail rigoureux s'est porté sur la qualité des tissus, la coupe et la confection.

Pour sa collaboration avec la New heArt CitY Gallery à l'occasion de l'exposition "La Parisienne", Sherazade nous fait l'honneur de dédier une collection de tee-shirts signés "La Parisienne".

Ses croquis sont inspirés des gens qui l'entourent : des femmes qu'elle croise avec parfois quelques défauts, elle en joue et les détourne avec ses personnages dotés d'un oeil plus grand que l'autre ou d'un sourcil surélevé...

Avec des prix résolument accessibles et à porter en toutes circonstances, les collections "La 7ème Sister" sont plus qu'un vêtement, ce sont des pièces originales, stylées et confortables.

2010-04-28T14:04:00.000+02:00

Cherry bibi

2010-04-28T14:03:00.000+02:00

Tee-Shirt Adam

2010-04-28T14:02:00.000+02:00

Tee-shirt Paloma

2010-04-28T14:01:00.000+02:00

Tee-shirt Syrine

2010-04-28T13:48:00.000+02:00

ROMAIN BECHETOILLE

Le vidéaste Romain Bechetoille lie dans ses oeuvres images et sons. Il revendique dans sa démarche l'aspect éphémère en projetant ses vidéos sur les murs de Paris de sa voiture.
Il donne à voir aux passants, pour un instant seulement, un monde où se mêlent Alice "in wonderland", Betty Boop, et striptease des années 1930 à la sauce électro.

Projection de rue Romain Bechetoille

2010-04-28T13:46:00.000+02:00

EMMA PICK

Emma Pick développe une image d’origine instinctive qui s’appuie sur une maîtrise technique transcendée par l’émotion et une forte sensibilité .
Ses contributions aux magazines ainsi que ses projets personnels sont également influencés par une culture cinématographique.
Elle développe un point de vue très engagé de l’usage de la mode dans notre quotidien, comme autant de vies possibles.
Ses collaborations artistiques reflètent un engagement esthétique et éthique, toujours intimement liées dans son travail.

Zabrisky 10 - Emma Pick

Zabrisky 08 - Emma Pick

Zabrisky 03 - Emma Pick

Instant Fashion : Projection Romain Bechetoille sur Photos d'Emma Pick

2010-04-14T18:34:00.000+02:00

Greg 13*

Cette nouvelle série d’œuvres de Greg 13* met en scène le carnet de voyage d’un architecte : déploiement de scènes urbaines issu de l’exploration de deux capitales européennes ; Paris et Berlin. L’une est paisible et romantique le long de la Seine, l’autre déborde d’énergie ; controversée et trépidante.

Les premières esquisses sont le fruit d’une promenade architecturale à l’échelle de la ville :
« On entre, on marche, on regarde en marchant, et les formes s'expliquent, se développent, se combinent. On approche, on voit, on s'intéresse, on apprécie, on tourne autour, on découvre. On ne cesse de recevoir des commotions diverses, successives. Et le jeu joué apparaît… »[1]

[1] Le Corbusier de Maurice Besset éd Skira 7992.

Beaubourg in Paris - Greg 13*

Pigeons of Paris - Greg 13*

Sous un geste spontané et une succession d’aquarelle, de feutre et de peinture, l’artiste transforme la réalité afin de révéler l’esprit du lieu intrinsèque aux espaces architecturés qui restent inconscients tant que quelque chose n’a pas été dérangé. Son art est représentatif d’une vision organique de l’urbain ; vision perturbatrice de l’ordre établi pour exacerber le déjà-là : les tuyaux de Beaubourg, les cheminées de Paris, la Fersehturm d’Alexanderplatz, le monstre de Berlin…

Paris with Attractions - Greg 13*

Walls of Berlin - Greg 13*

2010-04-14T18:31:00.000+02:00

ÉRIC MARECHAL

Éric Maréchal photographie les paysages urbains des plus grandes mégalopoles de la planète Sao Paulo, New York, Los Angeles, Tokyo, Berlin, Mexico, Johannesburg..., son regard est attiré en particulier par l’art urbain sous toutes ses formes : graffitis, collages, pochoirs, affiches.

De nombreuses expositions de son travail ont été réalisées en France, au Mexique, au Brésil et au Japon avec toujours comme leitmotiv la promotion du Street art en tant qu’expression majeure d’art contemporain.

Depuis 2008, il développe son projet « Street art sans frontière » qui consiste à faire réaliser par des artistes de rue des quatre coins du monde des œuvres sur papier, de toutes tailles (jusqu’à 7 mètres de long), qu’il colle dans des environnements choisis, à Paris ou lors de ses voyages. Plus de cent artistes ont rejoint son projet dont une quarantaine en France, au Brésil, une douzaine en Corée du Sud, et quelques-uns aux États-Unis, en Australie, en Espagne, en Belgique, en Allemagne... Des collages sont ainsi visibles à Tokyo, Séoul, Paris, Bristol, Bruxelles, Sao Paulo, Rio, Salvador de Bahia. Chaque collage est photographié et envoyé à l’artiste.

New York, 22 Juillet 2005, Harlem - Éric Maréchal

New York, 15 Août 2005 - Éric Maréchal

Pour la soirée événement, Éric Maréchal a présenté une rétrospective de ses photographies de Street art de New York.

Mittenimwald, Tony, Paris - Éric Maréchal

Mittenimwald, Paris, 6 Février 2010 - Éric Maréchal

Berlin - 31 Décembre 2004

Berlin, 31 Décembre 2004 - Éric Maréchal

On parle de lui :

http://photograffcollectif.blogspot.com/

http://www.thedirtfloor.com/

2010-04-14T18:29:00.000+02:00

2010-03-31T17:03:00.000+02:00

2010-03-31T16:58:00.000+02:00

Extrait de séquence

2010-03-31T16:57:00.000+02:00

2010-03-31T16:56:00.000+02:00

2010-03-31T16:40:00.000+02:00

Installation Sébastien Combescot
Créations luminaires - Nadège Buffe

2010-03-31T16:36:00.000+02:00

Rétrospective "Walls without Borders" - Eric Maréchal

Exposition DE PARIS A BERLIN - 13 Mars - 16 Avril

2010-03-16T14:42:00.000+01:00

La New heArt CitY Gallery acceuille depuis le 13 mars Greg 13* jeune artiste lyonnais qui met en scène le carnet de voyage d'un architecte, ainsi que UrbanHearts (alias Eric Maréchal) photographe urbain et artiste phare de la galerie, qui illustrera cette thématique par une série de photos mettant en scène le Street Art berlinois.

L'évènement de vernissage qui s'est déroulé le samedi 13 mars a fait place à l'éphémère sur la thématique de Berlin - le mur :

Une installation du sculpteur Sébastien Combescot matérialisant l'effondrement du mur
En réponse au travail de l'artiste Sébastien Combescot, Nadège Buffe a créé une série de luminaires illustrant une certaine forme de liberté après le chaos.
Street Art éphémère avec les oeuvres de l'artiste berlinois Mittenimwald
Une projection de l'artiste Eric Maréchal "Walls without Borders"

Les photos de l'évènement seront mises en ligne dans les jours à venir.

Nous espérons vous retrouver très prochainement !

Qui sommes-nous ?

2010-03-10T18:52:00.001+01:00

La galerie New heArt City a élu domicile au 11 rue de Picardie au cœur du haut-marais parisien.

Ce lieu, ouvert par Nadège Buffe, propose des thèmes d’exposition dédiés au Street Art, à NYC et à l’expressivité féminine.

Le concept : exposer des artistes qui partagent une inspiration urbaine forte (graffeurs, collages...) mis en lumière par les créations de Nadège Buffe.

UNE INSPIRATION URBAINE FORTE

Le souhait de favoriser l’art urbain sous toutes ses formes permet d’explorer différentes facettes de la ville et de la rue… La rue est expressive et inspirante et devient un thème de recherche, elle caractérise un lieu de vie, de passage et de rencontres.

La spécificité et l’originalité de la démarche des artistes exposés tous les mois donne un caractère de renouveau inépuisable au lieu. A l’instar de NYC (ville-thématique phare) regorgeant d’énergie et en reconstruction permanente, à chaque exposition commence une nouvelle histoire…

2010-02-27T18:30:00.000+01:00

SEBASTIEN COMBESCOT

Sculpteur, travaillant essentiellement le bois, Sébastien Combescot crée des installations monumentales notamment dans des parcs et jardins. Sa démarche interroge le rapport de l’homme et plus particulièrement du sculpteur avec la nature. Il confronte les éléments artificiels et naturels comme dans son installation au parc de Mennecy, par exemple, qui donne à voir seize planches de bois verticales entourant, voire même peut-être enfermant, un arbre. L’artificiel et le naturel dialoguent, le premier prenant peu à peu le pas sur le second.

Sébastien Combescot - Enlacement

Tranches de Vie - Sébastien Combescot

2010-02-27T18:29:00.000+01:00

Palarbre - Sébastien Combescot

2010-02-27T18:27:00.000+01:00

Forêt Artificielle - Sébastien Combescot

2010-02-16T17:46:00.000+01:00

La vitrine de New heArt CitY Gallery
"Serge et Jane", les "Pigeons", "Marylin" NikO la Cachette,
"Star" et " Temps nuageux" Nadège Buffe
Deux pochoirs "Scarlett" sur le rideau de fer NikO la Cachette

2010-02-12T18:32:00.000+01:00

GERALDINE

Géraldine détourne avec humour et esthétisme les excès de notre société de sur-publicité en récupérant des affiches publicitaires dans la rue et en les glissant dans l'univers de ses toiles.
C'est sa quatrième exposition.

New York New York New York (Diptyque) - Géraldine

Urban Flower - Géraldine

Urban Comedy - Géraldine

Une façon poétique et colorée d'exprimer une idée, un rêve, quelque chose qui ne s'explique pas toujours.

Il s'agit de créer un nouvel univers,
Utiliser la réalité et l'imaginaire,
La photographie et les journaux,
La peinture, la colle et les pinceaux,
Déchirer, peindre, expérimenter,
façonner, observer, modifier,
recommencer, repeindre, recoller,

Harmoniser,
Et se laisser bercer au gré d'une inspiration visuelle inépuisable,
Née de la publicité...

Géraldine

2010-02-12T18:30:00.000+01:00

GoD DoG

Le graffeur GoD DoG projette, avec beaucoup d'humour et de poésie, les images de son univers urbain sur la toile. Ses amusements, ses désirs, ses interrogations, ses révoltes, ses audaces... font écho en chacun de nous.

Fantastik City (Triptyque) - GoD DoG

Fist - GoD DoG

Totem - GoD DoG

Total - GoD DoG

Pilou-Pilou - GoD DoG

All Together - GoD DoG

Infernale Machine - GoD DoG

YeS (Triptyque) - GoD DoG

Mange Ta Main - GoD DoG

« S'éloigner des sentiers de l'arc en ciel, et explorer plutôt les couloirs souterrains de notre vie quotidienne.

Symboles, couleurs, défilés de signes, formules magiques, singulières incantations, esthétique hystérie. Pourquoi mettre des mots là ou seules des images peuvent si spontanément jaillir ?!!

Il n'y a qu'un pas ou si peu, qu'un cri, qu'une couleur, qu'une main, qu'un feutre pour laisser flotter quelques traces. »

GoD DoG.

Vidéo de l'inauguration de la galerie le 23 janvier 2010

2010-02-03T16:30:00.000+01:00

New Heart City Galery / 23.01.10 / Ouverture from BECH on Vimeo.

2010-02-03T16:26:00.000+01:00

PROJECTION URBAN RETRO

(ROMAIN BECHETOILLE)

2010-02-03T16:25:00.000+01:00

PROJECTION URBAN RETRO

(ROMAIN BECHETOILLE)

2010-02-03T16:22:00.000+01:00

LA NATURE DANS LA VILLE : CENTRAL PARK

(BERTRAND VACARISAS ET SEBASTIEN COMBESCOT)

2010-02-03T16:20:00.000+01:00

LES "POUP"

2010-02-03T16:19:00.000+01:00

AMBIANCE LUMINEUSE

2010-02-03T16:18:00.000+01:00

AMBIANCE LOWER EAST SIDE

2010-02-03T14:50:00.001+01:00

BERTRAND VACARISAS

Au cours de l’été 2009, le photographe Bertrand Vacarisas nous a livré une véritable chirurgie des villes. Son regard ne laisse rien passer : tous les détails graphiques, les jeux de lumières, les expressions et les signalisations sont pris sur le vif, de Paris à Tokyo…

Depuis son arrivée à Paris, il y a plus de dix ans, les villes et les mégalopoles l'ont toujours intrigué.

Et La Lumière - Bertrand Vacarisas

Le Mur - Bertrand Vacarisas

Calés dans la Porte - Bertrand Vacarisas

Quelle place pour l'individu, pour l'expression..?

Et c'est la photographie qui lui a permis de développer le thème de la ville: l'art de rue (graffiti, collage ou pochoir), l'architecture ou le rapport entre la publicité et les habitants, "Paris est mon quotidien et la photo me permet d'être toujours attentif aux évolutions des quartiers, des bâtiments, des murs... La ville est en constante évolution plus ou moins visible."

La découverte d'autres villes aiguise son regard mais c'est Tokyo et le Japon qui ont été le plus gros choc dans son travail. Ce qui a donné un livre photographique "Snap Japan".

"Tokyo a été la ville dans laquelle j'ai été le plus étranger et en même temps le plus libre pour travailler. Le fait de me retrouver si déconnecté m'a permis de photographier d'une façon plus instinctive."

Tête Prisonnière - Bertrand Vacarisas

Harcèlement - Bertrand Vacarisas

Regard Déchiré - Bertrand Vacarisas

Mlle Kat - Bertrand Vacarisas

2010-02-03T14:23:00.000+01:00

[Kle:r]

Avec l’exposition « Aléas NY » en mai 2009, les buildings New Yorkais de l'artiste [Kle:r], nés d’un véritable travail de la matière, prennent possession de l'espace tels des créatures étranges, très expressives et en mouvements.
Après des études de philosophie et un passage à l’École des Beaux-Arts de Paris, [kle:r] part vivre en Tunisie. De retour en France, elle se souvient de l’architecture arabe, de la lumière du désert, mais surtout de l’art des femmes berbères, qui l’inspirent dans son travail.

En 2008, elle commence une nouvelle série de tableaux après un voyage à New York, cité qui partage avec le tissage l’orthogonalité et l’abstraction du carré.

Éclats de ville - [Kle:r]

13 Petits Carrés Désarçonnés - [Kle:r]

Totemanhattaks - [Kle:r]

Après le sable et les tissus chamarrés du Maghreb, sous le pinceau de l’artiste, Aléas NY, où comment la mégapole se coule en médina…

[ Un crochet vers New York, pépins de pomme, noyaux de datte

Kaléidoscope de couleur où le carré règne en roi

Lumières des artères citadines, néons et tubes sombres et joyeux,

Extirper des gratte-ciels le motif des déserts:

Renouer l’orient et l’occident au point de les confondre]

ce parcours est bien plus qu’une simple parenthèse…

[kle:r] comme la Shéhérazade de la ville qui ne dort jamais… L’artiste qui nous ouvre, grâce à la Klee des songes et sa sincérité, les portes d’une cité nouvelle.

Bertrand Puard, écrivain

2010-02-02T18:28:00.000+01:00

Blooklyn Bridge - NiKo La Cachette

2010-02-02T17:22:00.000+01:00

Iggy - NiKo La Cachette

2010-02-02T17:19:00.001+01:00

Scarlett - NiKo La Cachette

2010-02-02T17:18:00.002+01:00

Haile.G - NiKo La Cachette

2010-02-02T17:18:00.000+01:00

Elvis - NiKo La Cachette

2010-02-02T17:17:00.000+01:00

Serge - NiKo La Cachette

2010-02-02T17:15:00.001+01:00

Alone - NiKo La Cachette

2010-02-02T17:13:00.000+01:00

Taxi Driver - NiKo La Cachette

2010-02-02T17:09:00.000+01:00

Kiss - NiKo La Cachette

2010-01-29T16:54:00.000+01:00

Les créations Rose Kangourous de Pauline : ses longs sautoirs et ses petits bracelets en fil et argent sont très actuels et résolument accessibles.

2010-01-29T16:53:00.000+01:00

L'originalité des bracelets de Maud, qui vit en Espagne et voyage de ville en ville partout dans le monde en récupérant des plans de métros, des BD... pour faire des collages sur ses bracelets. Le résultat est un objet "presque artistique" et très coloré...

2010-01-29T15:14:00.000+01:00

« Juste des images à voir ...

Man Ray disait “je photographie ce que je ne peux pas peindre”

Devrais-je donc peindre ce que je ne peux pas photographier.

De la transgression de la peinture à l'heure des plasticiens, nait le questionnement sur la prétendue nécessité d'un art sans image, institutionnel, officiel, un serpent qui se mord la queue. A redéfinir la valeur de l'icône, image à voir contre concept à penser, objet-image de l'image-objet, l'image comme seul lien sensible de la mémoire des yeux. L'image formelle, figurative, comme seule à pouvoir éveiller bien plus qu'un sourire … un souvenir … »

Niko la Cachette